Elements of Art & Principles of Design Movie

Les éléments du design, ou de l'art, sont le vocabulaire visuel de l'artiste, utilisés par tous les artistes tels que photographes, designers, peintres et sculpteurs. Il y a sept éléments: ligne, forme, couleur, valeur, texture et espace. La ligne peut être épaisse ou mince, organique ou mécanique, et utilisée de plusieurs manières dans l'art. Mark Tobey a utilisé des motifs de lignes pour créer une sensation d'unité dans ses peintures.

Lignes peuvent être créées avec différents outils, de manière droite ou courbe, et peuvent contribuer à la texture et à la valeur dans l'art. Mark Tobey illustre cela bien avec divers types de lignes dans ses œuvres. Les lignes peuvent être créées avec des outils variés, tels que des stylos, des crayons, des marqueurs, et même des bâtons, offrant une grande variété de formes et de textures.

Après avoir examiné l'utilisation des lignes, la discussion aborde deux types de formes principales : organique, vue dans la nature, et géométrique, vue dans des constructions humaines. L'arrangement de ces formes peut créer des œuvres d'art non objectives, comme vu dans l'exemple de Matisse, où une forme organique devient le point focal parmi des formes géométriques.

Le projet suivant implique de créer des formes organiques à partir de papier teint, et de les agencer pour créer des compositions artistiques. Les formes superposées créent de nouvelles formes le long des zones de chevauchement, démontrant ainsi le pouvoir de la forme comme élément de design, sans utiliser de lignes mais purement des formes superposées.

L'accent passe à la forme, avec une attention particulière sur sa nature tridimensionnelle, comme illustré par des sculptures. La forme diffère de la forme bidimensionnelle, alors que les projets transforment des dessins en formes tridimensionnelles en utilisant de l'argile pour créer des animaux ou d'autres objets.

La couleur est discutée comme un élément essentiel de l'art, dérivant de la lumière blanche décomposée en différentes teintes. Une peinture de Renoir sert d'exemple pour montrer comment les couleurs changent sous différentes lumières colorées. Le mélange des couleurs primaires, rouge, jaune et bleu, crée une variété infinie de nouvelles teintes.

À travers l'application de couleurs de manière neutre, en tenant compte du cercle chromatique, les artistes peuvent créer des œuvres aux couleurs plus douces. En utilisant des couleurs complémentaires, une couleur peut être neutralisée, ajoutant de la profondeur et diminuant l'intensité, ce qui est démontré à travers divers exemples de mélanges de couleurs.

L'étude de la valeur aide à comprendre le contraste entre clair et foncé dans l'art, essentiel pour créer de la profondeur et du contraste dans les œuvres d'art, comme illustré dans des exercices de peinture utilisant des nuances de gris. Des exemples d'artistes célèbres montrent comment ces valeurs influencent la composition globale de leurs œuvres.

La texture enrichit les œuvres en jouant sur les sens tactiles ; elle peut être réelle, comme dans la céramique, ou simulée, comme dans la photographie. Dans la peinture, la texture peut être ajoutée de manière substantielle avec de la peinture acrylique, ou simulée avec des aquarelles, offrant à l'artiste des outils variés pour enrichir leurs créations.

L'espace et la perspective sont utilisés pour donner de la profondeur et un sens du placement dans une œuvre. Cela peut être accompli par le chevauchement et les points de fuite, comme illustré dans des exemples de l'artiste Robert Henry. La perspective atmosphérique ajoute également de la dimension à une peinture en modifiant l'intensité des couleurs dans des couches successives.